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Vue de l'exposition Air de repos (Breathwork). Photo Arthur Péquin
 

Will de l'artiste britannique Jack O'Brien est une calèche enveloppée de film de polyéthylène industriel et surplombée de deux sphères réfléchissantes. Cette calèche désormais empaquetée et donc figée dans son mouvement devient le souvenir d’une période révolue. Sa présence fait écho à un type de bâtisse qui a inspiré l’architecte Claude Deschamps, qui a conçu l’entrepôt Lainé, dans lequel se trouve le Capc : le caravansérail. Ces bâtisses pourraient être considérées comme d’anciennes formes d’aires de repos, utilisées par les marchands du Proche et du Moyen-Orient jusqu’en Asie centrale et du Sud pour faire halte sur leurs chemins avec leurs caravanes et autres véhicules.

 

Calèche, cellophane, acier chromé


 

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Vue de l'exposition Air de repos (Breathwork). Photo Arthur Péquin

Jan S. Hansen développe un travail qui se nourrit de questionnements philosophiques sur la conscience.
L’installation Untitled de Jan S. Hansen présente un mannequin assis sur une boîte en carton au milieu d’étoiles. Le mannequin, blanc, est perforé à plusieurs endroits. Ces trous indiquent à la fois le « vide » de ce corps, mais aussi sa porosité avec son environnement : l’air passe à travers et le remplit. Celui-ci tient dans ses mains une petite étoile blanche, propre. Celles qui sont suspendues et flottent autour du mannequin sont, elles, tâchées d’un mélange de résine et de fientes d’oiseaux. Leur état indique une possible « chute des astres », qui permettrait à certaines espèces de voler au-dessus d’eux et de faire leurs besoins dessus.
Cette idée de la « chute des astres » entre en résonance avec un phénomène qui a particulièrement intéressé l’artiste et que l’on appelle « the overview effect » (l’effet de vue d’ensemble). Il a été décrit par des astronautes qui ont fait l’expérience de voir la terre flotter dans l’espace comme une impression de connexion avec l’univers, mais également un sentiment d’extrême fragilité du monde, protégé par une fine couche d’atmosphère. Le mannequin, troué et donc connecté à son environnement, chercherait à prendre soin des étoiles.
Les étoiles sont en partie des readymades. On les appelle les étoiles d’Herrnhut : celles-ci ont été inventées par un professeur de mathématiques en Allemagne, dans la ville d’Herrnhut, au début du 19e siècle, sur la base du rhombicuboctaèdre. Elles étaient employées à la fois comme un problème géométrique, mais également éléments de décoration pour la fin d’année. Les fientes d’oiseaux, elles, sont utilisées dans la médecine traditionnelle chinoise et vendues dans le commerce. Elles proviennent plus spécifiquement du moineau friquet. Leur fiente était notamment utilisée pour traiter des conditions respiratoires et dégager les poumons.

Mannequin modifié, boîte en carton, gant, lampes, rallonges électriques, étoiles, excréments d’oiseaux, colle, résine, vernis en spray.
Dimensions variables
 
 

Ensemble de 1308 dessins agencés en 109 blocks constitués d'une série de 12 dessins évoquant les crimes classés sans suite perpétrés lors de la guerre civile en Irlande du Nord suite à la loi votée en septembre 2023 par le Parlement britannique empêchant ainsi les familles des victimes de poursuivre les soldats britanniques désormais protégés par l’anonymat. Les "Repair Request blocks" sont pour l'artiste une tentative de résistance et de réconciliation.

1308 aquarelles sur papier millimétré



 

Survival in the Afterlife, 2024 est à l’origine une exposition personnelle de Lydia Ourahmane présentée au Portikus (Francfort) et à De Appel (Amsterdam) en 2021. Ce projet explorait les archives familiales de l’artiste qui rassemble du matériel photographique, des films et des témoignages liés à une communauté spirituelle fondée par sa famille pendant la guerre civile en Algérie (1991-2002).

Survival in the Afterlife est constitué de plusieurs tapis confectionnés de façon artisanale par des proches de l’artiste. Ils ne sont pas de simples meubles ou objets esthétiques mais des éléments qui participent activement à l’expérience de l’œuvre. Ils offrent un lieu de repos, un point de mémoire, un espace où le spectateur peut s’allonger, s’asseoir, changer sa posture vis-à-vis de l’œuvre en passant de simple « observateur » à celle de participant / témoin.

6 matelas faits main, tous uniques. Tissu, mousse, fil
180 x 70 x 4 cm chacun


 

Une petite académie d'art a été intégrée à une grande université, parmi de nombreux autres instituts, dans un prestigieux bâtiment neuf. Elle doit se conformer à toutes les procédures administratives de l'université. Mais secrètement, les étudiants et le personnel décident de s'organiser de manière autonome en tant qu'école d'art indépendante. Ils créent leurs propres cours, programmes et direction, à l'insu de l'université.

Œuvre vidéo 4K, 27 mn

 

L'œuvre a été produite au cours d’une résidence à Milan à la Fonderia Artistica Battaglia. L'artiste a réalisé plusieurs sculptures en bronze à cire perdue qui s’inscrivent autour d’une réflexion sur le caractère fétichiste des matériaux, leurs usages sociaux et le culte des reliques.

 

Bronze. 52 x 38 x 13 cm
 

Vue de l'exposition Air de repos (Breathwork). Photo Arthur Péquin
 

L’œuvre résulte d’un processus décrit par un protocole qui indique son mode de production. Les murs sont, dans un premier temps, peints d’une couleur rouge-chair qui évoque la couleur du muscle psoas auquel fait référence le titre de l’œuvre. Une émulsion blanche vient ensuite recouvrir la totalité des surfaces peintes selon une série de gestes quasi-chorégraphiques mêlant mouvements horizontaux, verticaux et circulaires réalisés par l’artiste ou un autre exécutant. Cette peinture performative invite à penser les murs comme un muscle et plus précisément comme le psoas, ce muscle invisible dont le rôle est essentiellement de maintenir nos corps en équilibre. Muscle profond, il a une relation particulière avec le système squelettique, le diaphragme (et donc la respiration), les organes et le système nerveux. L’œuvre agit ainsi comme une métaphore puissante de ce que représente le Capc en tant qu’institution muséale et centre d’art contemporain. Par cette œuvre, Cally Spooner transforme l’architecture en corps et questionne notre rapport à nos propres organes intérieurs (auxquels nous prêtons, finalement, peu attention). L’extériorisation et la visualisation du muscle du psoas à une échelle architecturale invite à une prise de conscience de notre propre intériorité.

 

Œuvre à protocole prenant la forme d’une peinture chorégraphiée sur ou plusieurs mur(s) existant(s). Exécution chorégraphique des mouvements pour l'exposition Air de repos (Breathwork) : Aske Thiberg.
Dimensions variables.

 

 
Vue de l'exposition Air de repos (Breathwork). Photo Arthur Péquin
 

Act. 15 (1), se présente sous la forme d’une tasse de café (Andrée Putman) placée sur un carnet de notes posé sur une chaise du musée designée par Mallet-Stevens. Si, aux premiers abords, cette pièce pourrait passer pour une chaise laissée vide par un surveillant de salle, il s’agit effectivement d’une composition de l’artiste. En s’y rapprochant, on se rend compte que le café est en perpétuelle rotation, comme coincé dans le temps. Le café, en référence à l’aire de repos, prend au Capc une dimension particulière puisqu’il était l’une des denrées entreposées dans le bâtiment lorsque celui-ci avait la fonction d’entrepôt de denrées coloniales. Son tourbillonnement pourrait alors aussi être perçu comme un enchantement critique. Plus prosaïquement, on pourrait aussi comprendre ce cyclone de café comme une pause sans fin.

Tasse à café bleue en porcelaine d’Andrée Putman contenant du café mise en rotation perpétuelle grâce à un agitateur vortex de laboratoire fixé sur une chaise Mallet Stevens/Andrée Putman.
Activation site spectific de l'act 15 sous forme d'1 agencement d'éléments spécifiques.
Chaise 222 Robert Mallet-Stevens - Andrée Putman (éd) ; Tasse et sous-tasse Andrée Putman ; carnet Moleskine modèle couverture souple, 13 x 21 cm ; Batterie UGreen ; Nexode Power Bank 25000mAh 145W ; ANZESER Agitateur Magnétique de Laboratoire 3500 tr/min.
Œuvre à protocole. Dimensions variables



 

 
Vue de l'exposition Air de repos (Breathwork). Photo Arthur Péquin

Le protocole de l’œuvre Act 20.2 renvoie à l'Act 20 du répertoire d'Acts de Valérian Goalec : "Confetti falls slowly". L'œuvre consiste en une pluie de confettis obtenue grâce au détournement d’une machine utilisée lors d’événements festifs afin de propulser sur plusieurs mètres une pluie de confettis. Les confettis - dont le choix de couleur et de forme ont été laissé à l’appréciation du commissaire d’exposition au moment de l'acquisition de l’œuvre sont blancs et mesurent 6x6mm. La machine est réglée de manière à ce que la chute des confettis soit très lente. Les confettis ainsi accumulés au sol produisent une sculpture, clin d’œil appuyé aux œuvres conceptuelles des années 70. L’œuvre évoque à la fois la fugacité de l’instant avec cette pluie lente et poétique, mais aussi l’empreinte que cette action laisse. Une métaphore qui interroge nos actes à l’aune d’un monde en accélération.

 

Machine à pluie de confettis. Œuvre à protocole. Dimensions variables.

 

Ultramodal est une peinture abstraite évoquant un espace mental au sein duquel souvenirs, images fantômes et pensées convergent.
 

Huile sur toile. 200 x 200 cm.

 

Installation vidéo comprenant du son et de la lumière

Gregory Kalliche, "Buncha Hells", 2019-2020. Photo Arthur Péquin

Buncha Hells est une installation site specific qui résulte d’une recherche sur l’histoire, les symboles et les effets de l'électricité. L’artiste a élaboré un dispositif qui met en avant une expérience sensorielle dans laquelle des indices sonores, lumineux et des images d’animation 3D fusionnent avec l’espace réel. En s’inspirant des découvertes des propriétés physiques de l’électricité, Gregory Kalliche crée un environnement immersif au sein duquel une animation 3 D redonne vie aux expériences de Nicolas Tesla (l’œuf de Colomb et la découverte du champ magnétique tournant) ou de Luigi Galvani (la contraction musculaire d’une cuisse de grenouille sous l’influence d’une décharge électrique statique). L’artiste étend son dispositif à l'espace d'exposition en synchronisant ses images à la lumière, vampirisant ainsi le système électrique. Sensible au concept de plasmaticité théorisé par Sergueï Eisenstein, non seulement il manipule des formes et opère des transformations mais surtout il est un créateur de mondes jouant de la porosité entre fiction et réalité.

Peinture sur 3 panneaux de tilleul et moteur. 200 x 360 x 6 cm

Mathis Collins, "Bicorne (stand de tir)", 2020. Photo Arthur Péquin

Bicorne (stand de tir) se présente sous la forme de trois panneaux de bois de tilleul sur lesquels l’artiste a sculpté en creux puis teint neuf bicornes animés par la rotation de neuf cocardes tricolores. Né rue du Faubourg Saint-Antoine à Paris, Mathis Collins rappelle souvent que ce quartier de Paris était celui des ébénistes. La disparition de ces artisans et des populations ouvrières de ce quartier l’incite à s’interroger sur les savoirs faire artisanaux et sur sa responsabilité en tant qu’artiste à participer à la vie publique. Il choisira de développer des ateliers collectifs et des manifestations publiques autour de pratiques artisanales populaires. De ces moments collectifs naissent des créations qui contribuent à renouveler les arts populaires. L’artiste évoque régulièrement le conflit qui au XVIIe siècle opposa la Comédie Française et le théâtre populaire influencé par la Commedia dell’arte. Conflit qui conduisit le pouvoir monarchique à prendre parti en faveur de l’académisme et à exercer une censure virulente dans l’espace public entrainant une hiérarchisation entre culture intellectuelle dite d’élite et culture vernaculaire. C’est cette dernière qui nourrit l’iconographie de Mathis Collins. Les 9 couvre-chefs à cocardes de Bicorne (stand de tir) sont inspirés des chapeaux des Trois brigands de Tomi Ungerer, un album jeunesse écrit et illustré en 1961 et connu pour son éloge de la subversion. C’est ce même défi de l’ordre établi que tourne en dérision Mathis Collins dans cette œuvre en transformant les cocardes tricolores en cibles mouvantes.

Ensemble dissociable de 3 peintures sur miroir 
Miroir, crépi, peinture vinylique
160 x 110 cm

Nicolas Milhé, "Faites ce que vous voulez", 2021. Photo Frédéric Deval

Les trois peintures de l’ensemble Faites ce que vous voulez ont été acquises en 2021 à la suite du projet Tout doit disparaitre. Nicolas Milhé s’intéresse ici à la polysémie des signes et interroge subtilement les manifestations récentes de notre histoire sociale. Usant du détournement, de l’anachronisme et de l’assemblage d’éléments hétérogènes (crépi sur miroir et peinture sur crépi), l’artiste explore les qualités spéculatives et métaphoriques du miroir et assume ouvertement le caractère militant de certaines de ses œuvres. En l’occurrence, le jaune renvoie à la couleur de ralliement des contestations sociales récentes (Mouvement des Gilets jaunes) et le titre Faites ce que vous voulez est une injonction à se départir des règles et du cadre.

Impressions en sérigraphie à partir de poussière de pin du Capc sur acier inoxydable poli. 90 x 70 cm 
Production dans le cadre de l’exposition monographique Miettes consacrée à l’artiste au Capc en 2021
2 sérigraphies acquises par les Amis du CAPC et offertes en don + 1 don de l’artiste

Olu Ogunnaike, "Out for lunch", 2021. Photo Arthur Péquin

Out for lunch est un ensemble de sérigraphies dissociables dévoilant l’histoire de l’Entrepôt et les interactions sociales provoquées par l’artiste quelques jours avant l’ouverture de son exposition.  L’équipe avait alors partagé un repas autour d’une longue table/sculpture. Ces trois sérigraphies figurent des instants capturés lors de cet évènement. Les impressions sur acier sont réalisées à partir de poussière de bois récoltées par ponçage des poutres du Capc dont l’excès a été soufflé ou balayé pour révéler l’image. L’artiste convoque ainsi la mémoire historique du bâtiment et met en évidence les liens qui unissent Joseph Lainé aux Entrepôts Lainé (1824) qui furent construits pour stocker des denrées coloniales et l’actuel Capc Musée d’art contemporain. L’histoire retient aussi que Joseph Lainé fut aussi celui qui réprima la première révolte d’esclaves pour l’indépendance en Haïti et qui impulsa le reboisement des Landes.
 

Œuvre en trois dimensions
Pin français, ébène noir du Gabon, fraké, padouk, acajou, wengé, zebrano, acier inoxydable poli
Production dans le cadre de l’exposition monographique consacrée à l’artiste au Capc musée d’art contemporain de Bordeaux en 2021

Olu Ogunnaike, "You are Here", 2021. Photo Arthur Péquin

Proche de la rigueur conceptuelle et formelle des artistes de la fin des années 60, Olu Ogunnaike développe une sculpture « réparatrice » d’apparence minimaliste qui prend la forme d’un imposant parallélépipède rectangle. Inspirée dans sa forme par le motif de la grille mais plus prosaïquement par celle des casiers à vin (servant traditionnellement à stocker les bouteilles), sa composition résulte de l’assemblage de plusieurs essences de bois exotiques provenant d’anciennes colonies européennes. La structure qui encadre ce motif est quant à elle, en pin issu de forêts européennes. Le corps central de la sculpture associe le padouk, l’ébène, le fraké, l’acajou, le wengé ou encore le zebrano, des bois originaires d’Afrique centrale et occidentale, connus pour leurs caractéristiques techniques de résistance, d’imputrescibilité et l’étendue de leur gamme chromatique. Ces essences mélangées délibérément relève d’une tentative de l’artiste de rendre visible les liens entre l’histoire viticole bordelaise et l’histoire coloniale mais aussi comment l’économie viticole s’est peu à peu substituée à la traite négrière.

Œuvre collaborative
Installation comprenant un ensemble de 16 éléments constitués de prélèvements de graffitis roulés sur des tubes de coffrage et présentés dans des structures métalliques avec un éclairage LED

Ugo Schiavi, Thomas Teurlai, "Loots",  2011-2022.

Loots est une installation / sculpture constituée principalement de la dépose d’épaisses couches de peintures, graffitis et tags réalisés par plusieurs graffeurs sur plusieurs années. Ces productions picturales qui peuvent associées d’autres techniques sont produites à la marge des lieux culturels institutionnels. Décollées du mur, sans support, elles constituent une sorte de stratigraphie picturale témoignant d’une culture de l’interdit (article 322-1 du code pénal, Graffiti et Tag sont considérés comme un acte de vandalisme) mais aussi une forme d’archéologie d’une histoire urbaine que Thomas Teurlai et Ugo Schiavi « vandalisent» à leur tour comme ils ont pu le préciser dès l’origine du projet : « Ironie du geste, nous devenons les vandales des vandales.  Loots emprunte son titre à une phrase taguée en 2005 sur de nombreuses façades et panneaux de la Nouvelle Orléans après le passage de l’ouragan Katrina : « Looters will be shot », « les pillards seront tués », message qui s’adressait aux cambrioleurs après que la police alors débordée ait autorisé les habitants de la Nouvelle Orléans à établir leur propre loi. Thomas Teurlai et Ugo Schiavi, jouent avec humour sur les grands principes liés à la conservation des peintures souvent roulées pour être préservées.

Vidéo HD, 16’36’’

Harilay Rabenjamina, "Djadja", 2021.

Les deux œuvres d’Harilay Rabenjamina ont été acquises par un particulier lors de la première édition du salon BAD+ (acronyme du nouveau salon Bordeaux + art + design contemporains) qui s’est tenu en juillet 2022 au Hangar 14 à Bordeaux.

La pratique d’Harilay Rabenjamina est inclassable. Il interroge sous diverses formes ce qui pourrait caractériser notre identité et nos apparences. Les deux œuvres Le nez de ma mère et Djadja forment un ensemble dissociable. Le Nez de ma mère est une œuvre vidéo HD mais aussi le titre de la première exposition personnelle de l'artiste en 2021 à Goswell Road (Paris). Djadja est un portrait de femme, frontal, regard tourné vers l’objectif dont le titre Djadja fait écho à l’expression popularisée par la chanteuse franco-malienne Aya Nakamura qui qualifie ainsi un menteur. Harilay Rabenjamina a photographié sa sœur peu de temps après sa rhinoplastie. Son visage s’affranchit d’une histoire et alimente une fiction personnelle, celle d’une quête de ressemblance susceptible de dissiper la difficulté d’apparaître. Dans la vidéo Le nez de ma mère, l’artiste filme sa mère dans le quartier qui l’a vu grandir à Pessac, en proche banlieue bordelaise. L’urbanisme et l’architecture des années 70 constitue l’arrière-scène d’un récit qui prend la forme d’un entretien entre l’artiste et un interlocuteur anonyme. Construit sur la modification d’apparence du nez de la sœur de l’artiste et la réaction de sa mère, la vidéo invite à questionner l’individuel face à l’épreuve du collectif, la notion d’héritage, de communauté et plus ouvertement la différence et la ressemblance.

Peinture

Ash Love, "#88a3f0 (papillon bleu)", 2022.

L’œuvre d’Ash Love a été acquise grâce à un crowfunding lors de la première édition du salon BAD+ (acronyme du nouveau salon Bordeaux + art + design contemporains) qui s’est tenu en juillet 2022 au Hangar 14 à Bordeaux.

#88a3f0 (papillon bleu) de la série message send failure (the connection was interrupted) appartient à une série de peintures composées chacune de trois éléments dessinés, écrits, ou peints. Il s’agit de peinture dont le tracé énigmatique oscille entre le rébus, le texto et l’émoji. L’espace physique et matériel de la peinture fait écho à l’espace immatériel de l’écran de veille d’un téléphone sur lequel les éléments prennent forme, impulse un mouvement entre surface et interface. Le code composé de lettres et de chiffres qui détermine le titre de l’œuvre fait référence au système hexadécimal de nomination des couleurs sur le web. Ainsi,  #88a3f0 se réfère au codage informatique des couleurs et caractérise le bleu intense des ailes du papillon.